Je la découvre donc mise en scène par Jean-Michel Vier au théâtre de l’Oeuvre à Paris. L’adaptation est assez proche de la pièce originelle, la trame est la même, le texte semble juste un peu modernisé. Don Juan est un peu plus couard et transgressif, choquant méprisant. Il est ici magistralement interprété par Pierre Val, il arrive à être à la fois séduisant et ridicule, subjuguant et maléfique. Plus la pièce avance, et moins il semble humain, jusqu’aux dernières scènes où avec son visage peint de blanc, il est tout simplement effrayant. Autour de lui, la société s’agite, comme des clowns ou des marionnettes. Elle semble n’être qu’une caricature, les personnages changent de costumes et tournent autour de Don Juan comme dans un manège. On retrouve ici un style très Brechtien : pose découpée et geste théâtral. Sganarelle nous semble être le seul humain réel, il ne se fond pas dans la foule et n’a pas le machiavélisme de Don Juan. Bien que drôle, c’est un personnage plus sérieux que dans la pièce de Molière, sur son visage, on lit une constante inquiétude. Sa peur du ciel ne semble pas être une simple couardise mais une conscience que « quelque chose cloche » que le tourbillon de vie de mène son maître ne peut que mal finir.

Que veut nous dire Brecht avec cette pièce ? En quoi le mythe de Don Juan l’intéresse-t-il ? Sans doute pas pour la leçon de morale sur le ciel, le bien et le mal. D’ailleurs, si l’apparition du commandeur reste assez effrayante, la dernière scène tourne presque en ridicule la punition divine à travers une mise en abyme : Don Juan n’est plus qu’une marionnette qui s’effondre dans un minuscule théâtre. Dans Baal, le personnage central est porté et maudit par son génie. Ici, Don Juan en semble dénué, il est même plutôt ridicule quand il enlève son accoutrement de beau perroquet. Mais il reste fascinant, produit extrême et effrayant d’une société bringuebalante. Il n’est que son reflet, dit ce que les gens veulent entendre, séduit si facilement. Il est son reflet oui, déformé et effrayant.

Don Juan se joue au théâtre de l’oeuvre jusqu’au 30 avril 2011.

Challenge Tous au théâtre proposé par leiloona.

Avec cette pièce, je découvre pour la première fois un texte de Sacha Guitry. Découvrir un texte directement au théâtre est toujours un peu dangereux, voir mon expérience malheureuse avec Les Justes de Camus. On découvre à la fois le texte et l’interprétation, on nous donne déjà un sens. Mais quand l’interprétation est bonne, alors le texte prend toute la vie et toute la force qu’il n’aurait pas eue sur le papier. Le texte est ici central, on l’entend d’ailleurs parfaitement malgré la vitesse avec laquelle il est parfois envoyé. La mise en scène est colorée, très stylisée, très travaillée mais les acteurs ne sont pas là pour « jouer » le texte, ils nous envoient les mots et expriment toute leur absurdité et leur poésie.

La pièce s’enroule autour d’un thème principal : la confusion entre théâtre et réalité. Cette confusion est parfaitement rendue par la mise en scène et ce dès la première apparition d’une « présentatrice » devant le rideau qui nous annonce ce qui va être joué. Ce décalage, on le retrouve ensuite dans le premier acte quand les acteurs essaient tant bien que mal de jouer les didascalies lues en voix off. La suite, je ne vous la révèle pas mais j’ai aimé l’évolution du jeu et de la mise en scène à travers les actes qui a su à la fois nous perdre et nous garder. La pièce est rythmée et drôle, les rires fusaient dans la salle et les applaudissement furent chaleureux. Certains effets étaient parfois un peu moins convaincants que d’autres mais on sent tout au long du spectacle l’énergie et l’inventivité de la jeune troupe. Ils nous ont offert et ont partagé avec nous ce texte, une belle découverte pour le public et un beau travail pour les acteurs.

Je vous invite à les découvrir au TGP jusqu’au  17 octobre : rendez-vous sur le site du théâtre pour réserver vos places.

PS : j’ai aussi écrit cette note dans le cadre du challenge Tous au théâtre proposé par Leiloona qui vise à faire partager nos lectures et découvertes de pièces sur nos blogs.

Le risque d’une telle pièce, qui reste assez longue, est de se faire happer par un rythme trop régulier et quelque peu lassant. Mais ici, une mise en scène enjouée et de très bons acteurs permettent de conserver toute la fraicheur et l’humour nécessaire. Beaucoup d’inventivité dans la succession des duos pour les rendre chacun uniques et intéressants. La troupe a su utiliser à son avantage le tout petit théâtre de Poche en créant plusieurs niveaux sur la scène, enchainant les décors et univers très naturellement (et rapidement !). Chaque personnage prend vie, chaque réplique est travaillée, chaque scène semble un petit morceau de vie plein de loufoquerie et de justesse.

Une très bonne soirée en tout cas ! La pièce se joue donc au théâtre de Poche de Montparnasse jusqu’au 26 juin, allez-y !

Avec cette pièce, on se rend compte du pouvoir de la mise en scène. Mal fait, ce texte aurait pu donner une pièce de boulevard très banale mais ici, toute son absurdité, tout son humour sont mis en avant et donnent un spectacle dynamique , drôle et loufoque.

Dès la première scène, le ton est donné : dans une très faible lumière, des personnages étranges se déplacent lentement comme dans un rêve. Puis la pièce commence avec un homme qui se réveille. La thématique du rêve et du cauchemar est ensuite présente tout au long du spectacle : les personnages ne sont jamais complètement habillés, ils se dédoublent, se déplacent, les lieux changent comme par magie. La magnifique scène du repas en est un bel exemple : les convives veulent manger mais sont encerclés de personnages absurdes qui se disputent, les choses semblent s’accélérer, se transforment en fantasme trahissant l’angoisse des deux personnages principaux. Puis hop  « changement de plan », les revoilà tout seul au premier plan.

La mise en scène est en effet travaillée d’une façon très cinématographique. Le décor est fait de telle façon qu’on a des impressions de zoom, de plans et de coupures  qui donnent beaucoup de dynamisme à la pièce. Mais le jeu n’est pas oublié, les acteurs ont tous énormément d’énergie et se donnent complètement. Leurs spécificités sont mises en avant. On reconnait un beau travail à partir d’improvisations, de mises en valeur du jeu propre à chaque acteur dans de beaux moments qui tendent vers l’absurde ou le burlesque. Le texte est rythmé, chanté ou dansé, il vit à travers le jeu et la mise en scène.

Vous aurez compris que j’ai beaucoup aimé cette pièce et que j’espère qu’elle aura le succès qu’elle mérite. N’hésitez pas à aller la voir, vous ne le regretterez pas !

Je me réjouissais de découvrir le texte de Camus car je ne connaissais pas la pièce mais dès les 5 premières minutes, j’ai compris mon malheur. Les acteurs ne se regardent pas et fixent le vide d’un air profond. Ils clament leur texte vers le public, presque immobiles, découpant leurs phrases de façon artificielle et rendant la scène surréaliste. Une caricature de théâtre moderne et pourtant, nous ne sommes pas devant la dernière création contemporaine abstraite ! Prenant mon mal en patience, je décide de n’écouter que le texte. Pour cela, je dois me concentrer pour extraire le sens des phrases. Je me répète ces mêmes phrases dans ma tête avec une intonation normale et là, je vois se dérouler la scène : des terroristes sont dans un appartement, ils préparent un attentat, ils se disputent, certains se craignent ou s’admirent, des choses se passent ! Je m’imagine une mise en scène à l’opposée de celle qui se déroule devant moi, je vois la scène jouée d’une façon presque quotidienne car, pour moi, ces terroristes sont des vrais personnes et non des ectoplasmes.

Toute la première partie de la pièce est ainsi gâchée. L’exercice mental étant difficile, je décroche parfois et me laisse traverser par des pensées diverses. Quand, habituée petit à petit, je me laisse un peu prendre par le texte, une intonation ridicule, un cri faux et déplacé me fait grimacer. C’est dur de voir les choses massacrées à ce point. La deuxième partie est plus intéressante. La mise en scène prend plus de souplesses et, parallèlement, semble enfin justifiée. C’est aussi dû au jeu de Vincent Dissez qui malgré la lourde contrainte du « je n’ai pas le droit de bouger » arrive à nous transmettre la vie, l’émotion de son personnage. De façon générale, le jeu des acteurs essaie de sauver la mise et parfois, on est avec eux. Emmanuele Béart s’en sort tout à fait bien.

Malheureusement la lourdeur de la mise en scène revient et nous tue dans la dernière partie. Fatigués de déjà deux heures de spectacle laborieux, on a du mal à se concentrer dans les dernières scènes. Le texte lui même ne semble plus être qu’un débat qui tourne à vide, comme des idées dans une machine à laver. Et pourtant, je suis persuadée, qu’en tournant les choses un peu différemment, cette dernière partie pourrait prendre du sens.

Car oui, la pièce de Camus est du « théâtre d’idée » mais c’est surtout du théâtre ! Quand on joue, il faut oublier les idées, elles sont déjà là, elles sont dans le texte, les personnages ne sont pas des idées ! Au contraire, il faut leur donner de la vie, de la réalité. Dans la dernière scène, une jeune femme réclame le récit de la mort de son amant, sacrifié à la « cause ». En insistant sur le débat et en posant, grandiloquement, les questions tournées et retournées dans la pièce, on ressent juste la lourdeur du propos. Alors que si l’on voyait vraiment cette jeune femme, dans toute sa contradiction, aimer et perdre, désirer et renoncer, l’idée serait vivante et nous troublerait vraiment.

Nous arrivons donc dans la cour d’entrée de la Sorbonne côté Panthéon. Tout commence comme une visite guidée mais, très vite, le « guide » semble se désintéresser de l’aspect architectural ou même historique et se lance dans des récits de plus en plus abracadabrants ponctués d’étranges œuvres d’art. Cette mise en bouche humoristique nous met dans l’ambiance et nous déambulons amusés à travers la Sorbonne.

Puis nous voilà abandonnés dans une petite salle sombre où une conteuse prend le relais et nous raconte une inquiétante histoire d’Edgar Allan Poe. Dans son récit, elle s’aide d’une petite marionnette qu’elle manipule avec sensualité. Le personnage n’est pas là pour illustrer son propos mais bien pour l’appuyer, le symboliser, lui donner une allure plus étrange encore. La seconde marionnette qui apparait sous la première après un certain temps est tout à fait effrayante et l’effet est réussi.

A peine remis, nous voilà à nouveau déplacés et installés dans une salle adjacente où se joue de la musique. Le conte, la lumière tamisée, le décor minéral, tout a été fait pour ouvrir nos sens à la mélodie. De là où je suis assise, je ne vois pas bien les musiciens, alors je ferme les yeux et me laisse envoûter par le piqué de la harpe et le velouté du violoncelle. Mais très vite, je dois les rouvrir car un spectacle de lumière commence. J’ai l’habitude du jeu d’ombre pour l’avoir pratiqué moi même et sait comme il est possible d’obtenir des choses incroyables avec une simple lampe. Mais cela n’enlève rien à mon émerveillement. Ici pas d’écrans, la lumière projette sur l’ensemble de la salle les minuscules décors qu’elle éclaire. Nous voilà plongé dans un autre monde, entre rêve et cauchemar. Nous revivons le conte que nous venons d’entendre et nous voilà nous promenant dans ses salles somptueuses aux couleurs chatoyantes jusqu’à l’inquiétante et morbide chambre noire. L’effet son et lumière continue encore un long moment et nous berce de son onirisme magique.

On regrette presque de revenir à la réalité et la petite troupe est chaleureusement applaudie. Il est rare de voir des spectacles si originaux et réussis à la fois. On aurait aimé peut-être « encore plus », on voudrait être emportés par leur univers étrange, promenés de salles en salle, de créatures en marionnettes, mais on salue tout de même la belle performance très maitrisée et aboutie et, surtout, très agréable.